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Bong Joon Ho ganó el premio a “Mejor Película” en los Oscars (Premios de la Academia) y con esto abrió una puerta para conocer mejor el cine asiático que muchas cosas buena tiene.  Sin embargo sabemos que no es un cine muy comercial y que es difícil aventurarse sin saber a qué vamos. Es por esto que hemos revisado Netflix para buscar lo mejor que tiene en este cine y recomendarlo, y como es usual, también recomendar otras que no están en la plataforma pero que de igual forma valen mucho la pena.

Snowpiercer – Bong Joon Ho – 2013 – Corea del Sur
La primera película del director coreano ganador del Oscar que está enfocada en ser un blockbuster y tiene actores americanos.  Chris Evans, Tilda Swinton, Jamie Bell, John Hurt, Octavia Spencer, Ed Harris y Go Ah-sung. La película de ciencia ficción con un fuerte mensaje ambientalista con muchos momentos reflexivos.  Es visualmente impresionante y con un estilización increible.

¿De qué trata?
Un fallido experimento ha hecho que la Tierra se congele por completo.  Los únicos supervivientes son aquellos que pudieron ingresar al Snowpiercer, un tren que recorre el mundo entero en donde se divide en dos partes: los de atrás quienes impulsan el tren y los de adelante quienes disfrutan de las comodidades.

Ip Man – Wilson Yip – 2008 – China
La historia del respetado maestro y mentor de Bruce Lee, interpretado por un grandioso Donnie Yen, la pelicula de accion logra unas coreografías de artes marciales totalmente impresionantes y cuidadas.  Una buena puesta en escena, diseño artístico y fotografía de primer nivel.

¿De qué trata?
El respetado maestro de Wing Chun se verá forzado a defender el honor de su pueblo en los años finales de la invasión de Japón hacia China.

Train to Busan – Yeon Sang-ho – 2013 – Corea del Sur
Una verdadera película de zombies que deja a cualquiera con la presión alta.  Es un ejercicio de estilo y eficacia con un ritmo narrativo tremendo. Alcanza los mejores momentos cuando nadie lo espera y no duda en arriesgarse e ir por más.

¿De qué trata?
Un virus letal se expande por Corea convirtiendo a las personas infectadas en zombies.  Un grupo de pasajeros del Tren KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.

Akira – Katsuhiro Otomo – 1988 – Japón
Película anime de culto que abre las puertas a la animación japonesa como hoy la conocemos.  El mundo cyberpunk nunca había sido retratado de la mejor forma y con modestia para Blade Runner.  Tan espectacular como violenta, con una historia llena de capas interpretativas y que es difícil admirar en un solo visionado.

¿De qué trata?
Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua ciudad destruida por la Tercera Guerra Mundial, la cual sufre una crisis social, política, económica y religiosa.  Un chico perteneciente a una banda de motociclistas tiene un accidente y es ingresado en un complejo militar donde unos científicos descubren que este chico guarda un poder oculto.

Forgotten – Jang Hang-jun – 2017 – Corea del Sur
Compleja, emocionante y sorprendente.  Un guión sólido que sabe como mezclar el thriller con el terror, mientras se toma su tiempo para desarrollar a los personajes y la historia.  Sin prisas pero no es lenta.

¿De qué trata?
Jin-seok y su familia acaban de mudarse.  Varios días después su hermano es secuestrado, pero sus captores lo liberaron a los 19 días y este no parece recordar que sucedió y tampoco parece ser el mismo.

Burning – Lee Chang-Dong – 2018 – Corea del Sur
Alabada en todos los festivales que cruzaba, “Burning” es un drama psicológico que el más mínimo detalle importa.  El espectador que espere tener todas las respuestas al final, pasará un mal rato, porque la película de Lee Chang-Dong deja todo a la interpretación del espectador entregándonos un ejercicio de análisis.

¿De qué trata?
Jongsu, un mensajero, un dia por casualidad se encuentra con Haemi, una chica que vivía en su vecindario.  Luego de iniciar una extraña relación, está le pide que cuide su gato mientras viaja para África, pero la Haemi que vuelve no parece ser la misma y su nuevo amigo que le acompaña guarda un oscuro secreto.

Your Name – Makoto Shinkai – 2016 – Japón
Otra película anime que es todo un éxito donde quiera que cruce y para quien sea que la vea.  Profundamente adulta, con una historia fantástica y unos personajes entrañables. Un trabajo visual muy delicado lleno de belleza y pureza.

¿De qué trata?
Taki y Mitsuha descubren un dia que durante un sueño sus cuerpos se intercambian.  Ellos no se conocen, así que deciden comunicarse vía notas para saber porque sucede lo que sucede.

The Host – Bong Joon-ho – 2006 – Corea del Sur
Otra joya del director coreano.  Imprevisible y sorprendente. Song Kang-ho es el protagonista de este filme, un viejo conocido en Corea del Sur y un actor musa del director.  Una película de monstruos que se ha convertido en una película de culto.

¿De qué trata?
Una extraña criatura que surge de un río azota a los habitantes de Seúl, el cual se lleva a la hija del dueño de un vendedor de quiosco.  Mientras el ejército hace lo posible para eliminar a la criatura, la familia de la chica intentarán recuperarla antes.

My Neighbor Totoro – Hayao Miyazaki – 1988 – Japon
La verdad que toda la filmografía del gran Miyazaki son obras maestras, pero esta obra en particular es un relato hipnótico que está entre lo real y lo fantasioso.  A los niños les regala una magia increíble llena de personajes y a los adultos una fábula sobre el medio ambiente y el amor en las pequeñas cosas.

¿De qué trata?
En los años 50, una familia japonesa compuesta por el padre y sus dos hijas se mudan al campo mientras la madre se recupera en el hospital.  El padre, un profesor universitario estimula la imaginación de sus hijas contando historias mágicas sin saber que sus hijas, Satsuki y Mei entablan una amistad con Totoro, el espíritu del bosque.

Ahora entramos a un terreno más profundo, donde estas peliculas no estan en Netflix, pero son joyas totales.  Sabemos que nos faltaron muchos filmes (algunos estando en Netflix) pero ya con el tiempo decidiremos si haremos un segundo artículo para expandir las recomendaciones.

Oldboy – Park Chan-wook – 2003 – Corea del Sur
Dura, retorcida y brutal historia que destaca la increíble dirección de Park y la oscura fotografía de Jung-hoon, sin dejar fuera las formidables interpretación de Choi Min Sik y Yoo Ji Tae.  Mención aparte al plano del pasillo.

¿De qué trata?
Oh Dae-su es secuestrado y confinado durante años en una celda en la que solo hay un televisor.  Tiempo después es dormido y liberado, por lo que Oh Dae-su inicia una investigación para saber quien lo secuestro y porque.

The Chaser – Na Hong-jin – 2008 – Corea del Sur
El director sabe lo que quiere y no pierde tiempo en desarrollos absurdos e insulsos.  Los actores TODOS sobresalen. Con varios giros de guión que no dejan indiferente a cualquiera.

¿De qué trata?
Un antiguo detective convertido en proxeneta se da cuenta que varía de sus chicas han desaparecido.  Cuando intenta encontrarlas, se da cuenta que todas han sido contratadas por un extraño cliente.

I Saw the Devil – Kim Jee-woon – 2010 – Corea del Sur
Es cierto que el guión tiene varios huecos argumentales y es cierto que por momentos parece que no sabe a dónde va, pero el viaje es salvaje y brutal.  Su puesta en escena es fuerte y con un pulso que no teme absolutamente a nada. Choi Min-sik es la encarnación del villano perfecto en la ficción.

¿De qué trata?
Un psicópata peligroso que mata jóvenes por diversión, asesina a la hija del jefe de la policía.  Su novio, un agente secreto decide vengarse personalmente.

La revista “The Economist” para el 2014 preparo un artículo llamado “El Cuento de Studio Ghibli” en donde explicaban que el estudio japonés “había dejado de hacer filmes”.  Este artículo sale un año después de que la prestigiosa revista dedicada en hablar de dinero había preparado una crítica a la última película (The Wind Rises) del director Hayao Miyazaki, y cuando una revista en la que su fuerte es el hacer dinero se dedica a escribir sobre un director en concreto, es porque no es poca la cosa.

La Edad de Oro del Anime

En 1974 dos jóvenes japoneses, uno llamado Isao Takahata y el otro Hayao Miyazaki, quienes habían creado un anime de solo 52 capítulos de una joven niña huérfana y su dia a dia en plan de aventuras llamada “Heidi”.  Un slice for life tan peculiar como absurdo y que para sorpresa de muchos es considerado, todavía en estos tiempos, como uno de los animes mejor valorados.  Takahata y Miyazaki ya venían de hacer series animes con excelentes repercusiones pero que nunca habían salido del país del Sol Naciente (al menos en ese momento).  Lupin III en el 1971 supuso un punto importante en la carrera de los directores porque marcaba un desarrollo extraordinario a la hora de crear personajes y una afinidad por temas medioambientales y sociales.

Claro, para ese entonces no nos permitimos tener ciertas licencias esnobistas para reparar en los créditos finales y ver quienes trabajaban en aquellos “muñequitos” porque al final son visto como tal.

Eran los años gloriosos de Zuiyo-Nippon Animation, cuando lograron asociarse con varias empresas europeas y estas lograron llevar las animaciones a otros países como los latinoamericanos.  Y esto supuso algo interesante a lo cual nadie se había percatado: Japón se puso a producir animes enfocados en vender en el resto del mundo. “El Gladiador”, “Mazinger” o “Fuerza G” eran algunos de los animes que llegaron después de “Heidi”, aunque muchos de ellos ya estaban en emisión desde antes.

Surge lo que se llama en Latinoamérica “El Festival de los Robots” y en el resto del mundo “Mecha”.

Irónicamente esto fue lo que molestó a Miyazaki quien dijo en una entrevista:
Una serie tiene que estar lista para su emisión en televisión a cualquier precio.  Debemos fabricar un producto como sea posible”.  El virtuosismo, amor por la puesta en escena y planos de hermosos paisajes que eran parte del ingrediente de “Heidi” se veían perdidos y Miyazaki describía una animación creada a contrarreloj para complacer al consumidor masivo.  Pero si Miyazaki estaba irritado por la forma de animación, ¿Dónde dejamos el fondo del argumento con una apología del individualismo salvaje? “El único motivo que impulsa este tipo de producciones es el profesionalismo.  Los personajes persiguen criminales porque son policías, vencen porque quieren ser cantantes o entrenan duro porque quieren ser deportistas.  Ni hablar de los robots gigantes.

De esta forma Miyazaki y Takahata se apartan de la industria.  Trayendo como resultado que Miyazaki concentrará su creatividad en un manga llamado “Nausicaa del Valle del Viento” (1985), el cual tuvo un éxito enorme que el conglomerado empresarial Tokuma Shoten le dio la oportunidad de llevarlo a la gran pantalla y también fue un enorme éxito.  Esto hizo que Miyazaki y Takahata decidieron unirse y tomar las riendas de su propio destino, ya que estaba más que confirmado que había público para sus obras.

El Nacimiento de Studio Ghibli

El nombre Ghibli hace referencia a un avión de combate italiano, el Caproni Ca.309.  Algo que podemos ver en dos de sus películas como “Porco Rosso” y “El Viento se Levanta”.  Pero Ghibli es el nombre que recibe la palabra “SIROCO” en Libia.  Siroco es el viento que viene del mediterráneo desde el Sahara hasta el norte de África.  Se dice por estos lares que es un viento “renovador” y esto es lo que Miyazaki y Takahara querían transmitir.

Por más que los tiempos cambien, creo que los niños aun quieren ser fascinados como yo lo fui al ver “La Serpiente Blanca” de Kazuhiko Okabe en 1958.  Si no es así, renunciare como animador inmediatamente” Dijo Miyazaki.

Al fundar esta empresa el plan era claro, pero no por eso simple:  hacer todo lo contrario de lo que triunfaba en ese momento y que tenía éxito en televisión y cines, productos que Miyazaki detestaba tanto.  “El Castillo en el Cielo” (1986) fue su primer largometraje en Studio Ghibli, lo cual presentó una situación extraña.  Ya los famosos robots (mechas) estaban en declive, por lo que los shonen (animes orientados a los jóvenes japoneses en donde destacan las peleas) estaban tomando auge y animes como “Dragon Ball Z”, “Ranma ½” o “Los Caballeros del Zodiaco” eran el nuevo competidor.

En vista al panorama, tuvo que pasar dos años para que Studio Ghibli intentará dar el golpe en la mesa que necesitaba.  Isao Takahata en 1988 lanza “La Tumba de las Luciérnagas” lo que sería su obra cumbre por excelencia y ese mismo año Hayao Miyazaki estrena “Mi Vecino Totoro”, el cual no es casualidad que la película esté ambientada en un momento en donde la televisión todavía no era algo que tenían todas las casas y que la imaginación era lo más importante para los niños.  Tampoco es casualidad que sus protagonistas sean dos niñas buscando un espacio para los personajes femeninos que se veían relegados con el nuevo movimiento “Shonen”, y tampoco es casualidad todas las referencias budistas en la película, pero ese es otro punto.

La historia de las dos niñas que descubren un mundo mágico en un bosque cerca de su casa y que este mundo está controlado por un divertido gato gigante llamado Totoro, es casi un ensayo constructivo de la filosofía del ser humano y sus posibilidades.  Los niños como fuerza motriz para poder cambiar el mundo con su creatividad. Las protagonistas descubren el amor a la naturaleza cuando se adentran a ella para estar más cerca de su madre, quien está en el hospital (¿van notando las conexiones?).

Pero como hemos dicho más arriba, la idea era simple, pero llevarla a cabo era lo difícil.  Miyazaki no convenció a nadie de financiar una película en donde dos niñas se comunican con el espíritu del bosque en un Japón de posguerra, y más en una época en donde el anime tomaba otro matiz.

El Viaje de Totoro

Mi Vecino Totoro” no fue un fracaso, pero no terminó siendo el éxito que ameritaba.  Studio Ghibli quedo siendo un estudio más de animes y poco a poco iba perdiendo fuerza.  Pero llego 1991 y a Miyazaki se le acercó un tipo que fabricaba peluches.

La versión del “animal de peluche” se convirtió en un gran éxito en las jugueterías japonesas. Cierto fabricante de peluches sintió apasionadamente que Totoro era un personaje que merecía ser hecho peluche, y fue tan persistente en sus ruegos para conseguir el permiso que el estudio finalmente le permitió que siguiera adelante con su idea.  Gracias a eso, pudimos cubrir la producción del resto de películas”.

La película se convirtió rápidamente en un clásico.  Totoro era un éxito en todo el aspecto posible. En Francia la película llegó en 1998 convirtiéndose en un éxito y en EUA (por cuestiones de doblaje, ya que Miyazaki no entendía el porqué los americanos no pueden verla en su idioma original) se estrenó en el 2006 en todas salas (aunque en 1993 varios críticos americanos llegaron a verla en formato VHS con subtítulos en inglés o al menos eso dicen).  En Latinoamérica, solo Chile y México han tenido la oportunidad de estrenarla en cines, dejándonos a los demás como unos verdaderos analfabetos audiovisuales y agradeciendo la conectividad actual que no nos permiten el lujo de seguir siendo.

Studio Ghibli comenzó a acumular prestigio y alcanzó la cima con su mejor película: “El Viaje de Chihiro”, la cual ganó un premio de la Academia (Oscar) como mejor película animada dejando atrás a dos películas de Disney, una de Fox y otra de Dreamworks y de la cual Miyazaki tuvo la osadía de no ir a buscar la estatuilla porque “le parecía deshonesto visitar un país que estaba actualmente bombardeando Irak”.

Su fama es tan grande que John Lassetter lo incluyó entre los juguetes de “Toy Story 3”.  Totoro se convirtió en la salvadora de Studio Ghibli y es tanto su agradecimiento que es la mascota del estudio y es la que cuando apagan las luces y sale este gato en fondo azul en pantalla, es señal de que lo que viene a continuación es de aquel estudio donde varias personas, incluyendo Takahara (Q.E.P.D) y al gran Miyazaki, entienden que tanto niños como adultos tienen aún la oportunidad de convertir el mundo en un lugar mejor con sus actos, y ellos con sus películas.