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Hace poco salió la noticia de que los hermanos Broccoli, quienes manejan la saga de James Bond, salieron de una reunión con los ejecutivos de MGM Amazon Prime bastante molestos. Tanto así que, según un mensaje filtrado, ellos están dispuestos a dejar que la saga se quede en el limbo.

¿La razón? MGM quiere, en lugar de hacer una nueva película sobre un personaje “tan controversial” como el agente secreto, desarrollar varios spin-offs de personajes secundarios.  Y de hecho, lo han conseguido.

Tal vez, en la cabeza de un productor ejecutivo que no sabe nada de cine ni conoce a su público, esta idea parezca rentable, pero para la mayoría de las personas no tendrá ningún impacto y quedará como uno de esos tantos proyectos de expansión de un universo que a nadie le interesa. Un excelente ejemplo es Continental, la «miniserie» precuela sobre el hotel de asesinos en el que se hospeda John Wick y que dirigía el personaje de Winston. La serie terminó convirtiéndose en una miniserie por la baja audiencia que obtuvo, lo que obligó a que el proyecto de Ballerina, otro spin-off de John Wick, se transformara en una película en lugar de una serie.

Hollywood ha adoptado un nuevo modelo de negocio basado en la expansión de universos mediante precuelas, spin-offs de personajes secundarios e incluso la creación de personajes inventados para conectar diferentes historias. Recientemente, HBO lanzó la serie Dune: Prophecy, que en realidad ni suma ni resta al universo de Dune y solo sirve para repetir lo que ya hemos visto en las películas.

El problema no es la cantidad de contenido que se produce, sino lo innecesario que resulta. Vince Gilligan supo expandir perfectamente el universo de Breaking Bad con una serie dedicada al abogado Saul Goodman y una película para televisión centrada en el personaje de Jesse Pinkman. Estas dos producciones funcionan a la perfección porque Better Call Saul no solo explora el futuro del abogado, sino también su pasado y el funcionamiento de otros personajes antes de la llegada de Walter White. Por otro lado, la película de Jesse nos permite ver qué sucedió después de su escena final en Breaking Bad.

Esto se debe a que Gilligan, en Breaking Bad, nunca desvió la atención de su protagonista, lo que mantenía un aura de misterio en los demás personajes y enriquecía la mitología de la historia. Cuando Saul Goodman se pone en contacto con Walter White, ya tiene todo un imperio legal consolidado, es conocido y tiene grandes contactos, pero nunca sabemos exactamente cómo los consiguió. Lo mismo ocurre con Gus Fring, quien ya posee un imperio de narcotráfico cuando Walter lo conoce.

En contraste, Marvel ha saturado su universo con contenido como WandaVision, una serie que en un inicio parecía aportar algo a los multiversos, pero que solo sirvió para mostrar qué pasó con Wanda tras la muerte de Vision en Avengers: Infinity War y explicar por qué no apareció en Avengers: Endgame. Luego tenemos The Falcon and the Winter Soldier, que uno pensaría que serviría como conector para la reciente película Captain America: Brave New World, pero en realidad no aporta nada significativo. Lo único que hace es confirmar que Sam Wilson es el nuevo Capitán América, algo que bien pudieron mencionar al inicio de la película.

Otro caso similar es la expansión de universos mediante historias pasadas. Amazon Prime, por ejemplo, está exprimiendo todo lo relacionado con la obra de J.R.R. Tolkien, El Señor de los Anillos, con una especie de serie precuela/spin-off que explora la Tierra Media miles de años antes de los eventos de las películas. Sin embargo, la serie, que ya tiene garantizadas tres temporadas, no termina de convencer a nadie. Ha obtenido cifras de audiencia bajas, poco interés por parte de los fans y cuenta con unos productores empeñados en mantenerla viva sin una justificación clara. De hecho, sus propios números oficiales no logran explicar cómo algo que comenzó con, por ejemplo, 20 millones de espectadores y terminó con solo 7 millones sigue considerándose un éxito.

Antes, Hollywood nos vendía una secuela y, con suerte, un videojuego mal hecho, con gráficos terribles, una historia forzada y una jugabilidad paupérrima. Pero las cosas han cambiado. Poco a poco, hemos entrado en una era en la que la expansión de universos se ha convertido en la nueva moda.

En un mundo dominado por el streaming, donde las plataformas buscan mantener a los espectadores enganchados 24/7 con uno o dos productos, la guerra del streaming ha tomado otros rumbos. Ya no se trata de lanzar tu propia plataforma, ahora lo rentable es hacer que el público se quede atrapado viendo un solo contenido por el mayor tiempo posible.

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Como es usual al finalizar el año, hago mi top de las mejores 12 películas del año 2023 (en este caso).  Como siempre suele suceder, que puedas preguntarte el porqué doce, pues, son doce meses que tiene el año así que una por mes para ser más exacto.  Aunque eso no significa que las que están en la lista salieron en ese mes.

Para esta lista me estoy basando en todas las que están siendo estrenadas en 2023, al menos en occidente.  Por lo que estaría descartando (lamentablemente) Godzilla Minus One no estará incluida.  Les dejo aqui el del año pasado por si buscan conectarlo dando click AQUI. (Y el del año antes pasado, pues AQUI).

Sin mas preambulos, aqui el top de las mejores 12 películas del año 2023.

Killers of the Flower Moon

Scorsese no defrauda, aunque se alarga.  La película está basada en la novela homónima de David Grann y cuenta la historia de los asesinatos de los habitantes de la nación Osage en Oklahoma en los años 20, después de que se descubriera petróleo en sus tierras.

La dirección de Martin Scorsese es excelente, como siempre, y la cinematografía y el diseño de producción son impresionantes. La película está ambientada en los años 20 y la recreación de la época es muy detallada y realista. La cinematografía es impresionante, con hermosas tomas de paisajes naturales y escenas de acción emocionantes.

La trama, los temas y el tono de la película son conmovedores y cautivadores. La película aborda temas como la corrupción, la discriminación y la injusticia, y lo hace de manera efectiva y conmovedora. La historia es muy interesante y está bien contada, y la película mantiene a los espectadores en tensión hasta el final.

La partitura de la película es excelente y ayuda a crear el tono oscuro y tenso de la película. Los efectos especiales son impresionantes, especialmente en las escenas de acción. La edición es efectiva y mantiene el ritmo de la película. El diálogo es inteligente y bien escrito, y los personajes hablan de manera realista y natural.

Poor Things

Es realmente complicado hablar de esta película dirigida por el cineasta griego Yorgos Lanthimos.

No es que sea rara, es que “Pobres Criaturas” es rarísima, como toda la filmografía de Lanthimos, solo que aquí se logra crear todo un universo propio que mezcla las rarezas extremas de fantasía de sus primeras películas y aplicar una puesta en escena ultra medida y muy particular como logró hacerlo con la anterior y exitosa (y de mis preferidas) “La Favorita”.

Otra cosa que quiero destacar es la propia puesta en escena de Lanthimos, porque es espectacular, recuerda mucho en algunos momentos al mismísimo Stanley Kubrick, con esos zooms lentos, esos planos con muchísimos detalles y esos planos simétricos aprovechando los decorados como tanto le gustaban al bueno de Kubrick, pero dándole un toque más personal.

La Sociedad de la Nieve

Hay que reconocer que el director J.A. Bayona es un gran narrador y que toma la tradición del cine popular de Hollywood y le da un tono más humano y cercano sin perder la dosis de entretenimiento y espectacularidad de las grandes producciones.

La película logra transportarnos y hacernos vivir ese momento que pasaron los supervivientes del accidente de los Andes.  Además es una película tremendamente respetuosa con sus personajes y es muy inteligente a la hora de sugerir la crudeza sin ser desagradable.  Tiene además un inteligente uso de la voz en off y unas actuaciones espléndidas, así como unos diálogos veraces a la par que elocuentes y emotivos.

American Fiction

Un profesor de inglés y escritor, decide escribir una novela satírica bajo su seudónimo con la intención de denunciar la hipocresía de la industria.  Lo que no esperaba es que esta “sátira” se convierta en una de las novelas más aclamadas y que más ha logrado impactar en las personas.

Con un Jeffrey Wright en estado de gracia, el filme de Cord Jefferson es una de las verdaderas sorpresas de este año.  Un trabajo inteligente que balancea el humor con el drama sin parecer exagerado y totalmente creíble.

Anatomie D'une Chute (Anatomia de una Caida)

El nuevo trabajo de la cineasta francesa Justine Triet es un intenso thriller dramático, en donde sus 150 minutos se pasan en un suspiro.

La cineasta francesa consigue imprimir un gran ritmo a la trama, sin alejarse de un tono de cine de autor, en cuanto a que no se abusa en el empleo de la música (es casi inexistente, salvo algún tema que escuchamos bastantes veces porque es fundamental en el desarrollo de la trama judicial) y no se excede a la hora de mostrar el drama de los personajes. Tan sincera como inquietante “Anatomía de una caída” es una de las películas más destacadas del año.

Oppenheimer

Nolan demuestra su habilidad para mantener la atención del espectador, a pesar de la complejidad de los detalles históricos. Su dirección magistral nos guía a través de la vida y los dilemas éticos de Oppenheimer, manteniendo una tensión constante y creando momentos de gran impacto emocional.  La edición acelerada, marca de la casa, puede abrumar en sus inicios, pero que no cunda el pánico, que luego uno sabe cómo atraparla.

La actuación de Cillian Murphy como J. Robert Oppenheimer es simplemente fenomenal. Murphy logra transmitir la complejidad interna del personaje, capturando su lucha moral y su creciente conciencia sobre las consecuencias de su trabajo. Por otro lado, Emily Blunt brilla en su papel como la esposa de Oppenheimer, ofreciendo una interpretación conmovedora y convincente.

Se destaca por su aspecto técnico impecable. La partitura musical, la cinematografía y el diseño de producción se combinan para crear una atmósfera tensa y emocional que refuerza la trama y los conflictos internos de los personajes. Cada escena está cuidadosamente construida visualmente, transportando al espectador a la época y al contexto de la historia.

No solo es una película histórica, sino también una reflexión profunda sobre la moralidad de la ciencia y la tecnología.

The Boy and the Heron

Después de «El viento se levanta» (2013), el maestro de la animación estrena la que es su carta de retirada. Un testamento que condensa sus ideas anteriores y las lleva más allá. Se aprecian similitudes con sus otros trabajos y características clásicas de su estilo, pero revisionadas. Con elementos digitales añadidos a la animación como el fuego (impresionante la primera secuencia bélica) y una animación más depurada en su arranque.

A nivel visual la película es excelente, como cabría esperar de una animación artesanal como la de Studio Ghibli. Y la música sigue a la película en todo momento, ensalzando todas sus virtudes.  Puede ser esta su obra más compleja y, si bien de primeras puede abrumar, les invito a volver a verla e ir más allá de la forma y de los típicos seres adorables que te hacen sonreír. Es entonces cuando, además de un mundo de magia, se abre otro mundo de metáforas y reflexión.

The Holdovers

Es 1970, mes de fin de año, el profesor Paul Hunham es designado por el director para encargarse de la custodia de un pequeño grupo de niños que no pueden pasar la navidad con su familia. Tanto el profesor como los estudiantes no se llevan nada bien y están contra su voluntad. Para rematar, la jefa de cocina se queda con ellos tras perder a su hijo en la guerra. Una mujer en duelo, un profesor cascarrabias y un estudiante rebelde, sin quererlo, pasarán la navidad como una familia mientras afrontan sus conflictos.

Paul Giamatti y Dominic Sessa hacen una dupla sensacional, ambos llevan el peso de la película por igual, cada quien tiene su momento para lucirse.  Se entiende que el director Alexander Payne les da tiempo para desarrollar los personajes y sus conflictos.

Dream Scenario

Cuando uno se encuentra con una joya como Dream Scenario no puede hacer otra cosa que disfrutarla. De eso se trata ¿no? Y más si el filme está lleno de originalidad.

Paul es un maduro profesor al que de repente le empiezan a decir que han soñado con él. Lo que en principio puede parecer simpático acaba convirtiéndose en una especie de pesadilla por el cariz que van tomando esos sueños. No le quedará más remedio que adaptarse a su fama universal.

El director de origen noruego, Kristoffer Borgli, da en el clavo o, mejor dicho, sabe llevar a un actor tan incontrolable como Nicholas Cage.  Aprovecha tanto su vis cómica como su vis dramática. En ambos casos, nuestro actor favorito y el de muchos otros, da una clase de maestría, de saber estar.  Dream Scenario es una película para recomendar sin dudarlo. Da igual el tipo de público.

Past Lives

“Vidas pasadas” es una película a priori sencilla, pero conformada por muchas capas. Una historia honesta, con mucha verdad, en la que la autora se abre en canal, y nos permite conocer parte de su vida a través de Nora, la protagonista.

El filme nos cuenta, en tres actos, la relación de Nora y Jae Shung. Primero su enamoramiento juvenil, tan recíproco, puro y tierno, como solo el primer amor puede serlo. Años después un reencuentro, a través de las redes sociales, que despierta y reaviva su vínculo. Por último, un acto final, en el que acompañamos a los protagonistas en sus paseos por Nueva York (que bonitos los travellings) y nos cuestionamos, junto a ellos, muchas de nuestras decisiones.  Un filme íntimo pero un filme bueno.

Barbie

Impacto cultural que no se veía en el cine desde hace años.  Ni siquiera Marvel con Infinity War logró lo que Greta Gerwig hizo con este filme.  Barbie es un estereotipo. Mattel hizo millones gracias a ello. Ahora no tanto.

Había que cambiar el discurso sobre la muñeca y apostaron por una de las mentes más lúcidas (Greta Gerwig) para darle la vuelta y devolver el producto al centro de nuestra atención. La película es un éxito al respecto.

Desde el comienzo al final, exceptuando los últimos 3 minutos que se hacen bola, es una superproducción al servicio de las risas y del cambio de paradigma: una nueva ola feminista en la que ya es abiertamente necesario y entendible que hasta las mayores compañías traten el tema de la igualdad.  Y aun con su argumento y arco dramático totalmente previsible y artificial, que parece hecho adrede, el filme merece su visionado.

Mission Impossible Dead Reckoning Part I

Duele que esta película no haya tenido el impacto que se esperaba que tenga y más con todo lo que ofrece.  Últimamente vivimos en una etapa en la que el cine comercial se ha convertido en un restaurante de comida rápida, donde te sirven exactamente lo mismo pero en distintos tamaños.  Donde las productoras en su gran mayoría solo piensan en recaudar explotando fórmulas y trabajadores para sacar productos a medio hacer y en la mayor cantidad posible.

Christopher McQuarrie regresa en la dirección y en el guión, para tratar de ponerle un punto final a una de las sagas que ha sabido reinventarse en cada propuesta. Y es que no hay una forma de explicar, sin caer en detalles, como en los 156 minutos que dura el filme, vas a estar totalmente desconectado y entretenido en partes iguales.

El guión tiene sus pegas, porque claro, es un filme que busca más que nada entretener, pero más allá de eso, se siente a un clásico moderno, sobre todo en la composición de sus planos, en su montaje, tono e incluso en la trama y personajes.  Es una carta de amor al cine de espionaje de la vieja escuela y a los espectadores.

Dos extras que no van al top pero valen la pena

Super Mario Bros The Movie:
El cine es entretenimiento.  Eso es lo primordial y aunque aparezca uno que otro momento de luz donde haya algo más que eso, se agradece, pero ser entretenido para todos los públicos, es un trabajo bastante difícil que no todos los cineastas cumplen.  Principalmente con el ámbito animado.

Entretenida, colorista, fiel y nostálgica, pero sobre todo, es una maravillosa adaptación de lo que es capaz lograr el cine cuando se hace con cariño y corazón.  La animación es preciosa y las voces, principalmente un Jack Black suelto, son quienes hacen que esto valga la pena.

 

Dungeons and Dragons: Honor Among Thieves:
Que no te engañen los trailers, que esta aventura de espadas y brujerías ambientada en un mundo medieval y mágico, es fantástica.  Si eres un espectador casual, encontrarás una película de fantasía bien disfrutable y si eres fan del género, pues estarás disfrutando.

No es una gran obra maestra, quizás simplemente porque no necesite serlo: es perfecta en su género, en su estilo y en su entrega incondicional al público, al que no sólo brinda entretenimiento, sino la experiencia de una verdadera partida de rol de mesa transformada en película, donde las risas, el buen rato y la acción, están servidas en bandeja de oro. ¡Y Michelle Rodriguez está GENIAL!

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Otro año que se nos fue y ahora estamos frente a las ultimas semanas para iniciar el 2023. Como cada final de año, hacemos nuestra respectiva lista de las 12 mejores películas del 2022, y el cual el año pasado fue las 12 mejores películas del 2021.

Las mejores películas del 2022

Como siempre, para esta lista tomamos en cuenta algunos puntos los cuales este año han cambiado. A raíz de que hemos podido conseguir ver TODAS las películas ya que somos jurados de la 80 entrega de Globos de Oro, este año no habrá limite de fecha, pero si tomaremos en cuenta un punto importante y es que no estamos incluyendo algunas películas del 2021 que se estrenaron en cines en el 2022.  Después de esto, pues vamos a la lista de las 12 mejores películas del 2022.

The Banshees of Inisherin

Si llegaste hasta aquí es para ver porque esta película es la mejor del año 2022. Este filme es el ejemplo de como un buen guion, en conjunto de una buena dirección, y con buenas actuaciones, son suficiente para lograr mucho. Dos amigos de toda la vida viven en un pueblo pequeño, y un día cualquiera, uno de ellos va a visitar a su amigo quien de buena a primera y sin razón alguna, le dice que deje de visitarlo que ya no quiere su amistad. Sin saber porque ni que paso, el confundido (junto al espectador) ira desencadenando situaciones de lo mas variopintas para investigar que sucede.

Es un filme conmovedor como estudio de la soledad masculina y de la ira contenida de las personas. Destapa muchas cosas a través de la observación y la reflexión, principalmente sobre las emociones, ser compasivo y sobre todo, la esperanza.

All Quiet On The Western Front

Remake de un clásico de 1930, que al mismo tiempo esta basada en una obra literaria, “Sin Novedad al Frente”, como se le conoce en español, es una de las mejores películas bélicas de la actualidad y una de las joyas absolutas que se pueden encontrar en la plataforma de Netflix. Cine alemán en su totalidad, toma la historia oscura y la hace mas oscura, captando de forma conmovedora la humanidad de los soldados, convirtiéndose en una obra consistente y profunda.

The Sea Beast

Una excelente historia, mostrando una animación genuinamente deslumbrante mientras ofrece varios mensajes totalmente poderosos. Un filme sobre desafiar lo convencional y conservador, averiguar las cosas por si mismo y aprender a cambiar para adaptarse. Es una buena aventura que no pasara desapercibida desde que inicia hasta que acaba y que deja un excelente sabor de boca a los espectadores de cualquier edad.

The Fabelmans

Película autobiográfica y bastante personal del director Steven Spielberg, que narra como un adolescente encuentra el cine como un medio para poder desahogarse y su amor por el mismo. Buenas actuaciones por parte de Michelle Williams y Paul Dano (que esta mejor que en The Batman, que es mucho decir), con una que otra escena con un Seth Rogen que parece querer pisar otro terreno y dejar las comedias alocadas de la que ya es costumbre. Visualmente es hipnótica, con un guion solido y con una puesta en escena de Spielberg, quien es un narrador por excelencia.

The Menu

El director Mark Mylod ya tiene experiencia con criticar fuertemente a la clase rica y poderosa, con su participación en Succession, una de las mejores series actualmente. Aquí vuelve a la carga, no solo con una critica siniestra a los ricos y al capitalismo, sino a los influencers, a las redes sociales y a los “fandom”, en varias alegorías y parábolas bastante interesantes. Anya Taylor-Joy sabe robarse cada momento, pero Nicholas Hoult, Ralph Fiennes y Hong Chau son quienes causan los sentimientos de tensión e indignación con unos personajes excelentemente bien desarrollados. Tal vez con una necesidad de querer contarlo todo, en un tercer acto interesante pero un poco efectista, “The Menu” se convierte en una obligación de este año.

White Noise

Un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental, haciendo que todo un pueblo cercano deba huir rápidamente. Aquí entra Jack y su familia (compuesta por su esposa y cuatro hijos), quienes viven cómodamente y en su viaje hacia la salvación surgirán situaciones que los hará plantearse un tema que nadie quiere hablar o pensar: la muerte. El filme tiene a un Adam Driver solido y una Greta Gerwing en estado de gracia, junto a Don Cheadle, quien esta espectacular. Sin embargo, el director Noah Baumbach no está muy claro de cual es el tono que debe tomar a su película y eso le resta un poco, pero no lo suficiente para encontrarla como mala película.

The Batman

Tim Burton hizo del personaje un filme que rozaba el suspenso y el terror gótico, mientras que Nolan lo fusionaba con la acción. Ahora ha llegado Matt Reeves para mezclarlo con el thriller psicológico, más característico al cine de David Fincher y al cine noir de antaño, donde los personajes son parte de un puzzle el cual iremos armando fotograma tras fotograma. Es una película con mucho cuidado al detalle y con un cuidado en su guion, impresionante. Nada esta sobrando en escena y nada esta faltando. El desarrollo de todos es magnifico y el desarrollo de la historia por igual, logrando que se sienta que hasta el escenario se va desarrollando en conjunto a todo. Alabanzas solo quedan con sus villanos, un Colin Farell como El Pingüino, y un Paul Dano como El Acertijo que funcionan los dos como relojes suizos. Una de las mejores películas del año, que, a pesar de su duración, la cual tal vez sea su punto mas débil, tampoco es que moleste tanto al ver el resultado final completo.

Everything Everywhere All at Once

Las comparaciones son odiosas, pero cuando se anunció a “Doctor Strange and the Madness of Multiverse”, esto era lo que esperábamos. Por suerte (y tal vez como ironía de la vida) dos semanas después del estreno del filme de Marvel se estrena esta joya que toca el tema de los multiversos con una maestría que deja a cualquier anodado. Un viaje emocional, filosófico y profundamente extraño a través de un personaje tan humano como cualquier espectador, y del que es difícil no identificarse. Con una narrativa grandilocuente, el filme indica como un buen guion y una buena dirección pueden dar resultados impresionantes. Su único defecto, está en una duración que le juega en contra, pero ¿Qué más da?

Pinocchio

Cuando el director mexicano Guillermo del Toro anuncio que estaba trabajando en una versión del clásico muñeco de madera, las alarmas se dispararon. Sin embargo, cuando anuncio que iba a ser un filme animado en stop motion, mas de uno se sorprendió. Es sensible, es humana y su alegoría de padres e hijos imperfectos, el valor de la amistad y el compromiso, junto con la muerte, hacen que este filme sea efectivo y potente.

Nope

El género del terror ha hecho grandes cambios en los últimos años, incluyendo casi un apartado por ese terror psicológico con autores indies que es alabado por la crítica. Este año “Smile” se convirtió en otra sorpresa por ser una buena película sin pretensiones, pero “Nope” de Jordan Peele ha sido sin duda quien se lleva lo mejor. Con el característico estilo del director, el guion borda distintas críticas, como la necesidad de querer grabar todo, el racismo o como los influencers al final son igual que todos nosotros. Daniel Kaluuya borda con creces a su personaje, junto a un Brandon Perea perfecto, pero quien se roba todo el filme es sin duda la actuación de la carismática Keke Palmer.

Prey

La saga de Predators parecía que ya estaba agonizando, por eso cuando el director Dan Trachtenberg se juntó con el guionista Patrick Aison para preparar una adaptación del personaje ambientada hace 300 años, el publico quedo dudoso. Sin embargo, todas las dudas se despejan a los diez minutos del filme iniciar. ¿Qué es efectista? Probablemente, pero eso no quita que sea uno de los mejores filmes del personaje y de este año. Amber Midthunder como Naru, la joven perseguida por el extraterrestre es una maravilla y deja en claro que la saga sigue vivita y con ánimos.

Top Gun: Maverick

Esto es una verdadera sorpresa por todo lo alto. Admito que era de los que pensaban cuando se anunció que no era necesaria una secuela 20 años mas tarde, pero estaba totalmente equivocado. Tom Cruise vuelve como Maverick, igual de desenfadado, pero con un poco de madurez. A mano del director Joseph Kosinski (quien estuvo con Tom Cruise en “Oblivion”), nos regala una aventura por los aires llena de acción y nostalgia, con un apartado técnico de lujo y que resulta ser un entretenimiento magnifico. Épica es la palabra que mejor puede definir la película y su protagonista.

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Ya acabó el año y ya estamos iniciando el siguiente, viendo que nos trae y esperando sean (casi) todas buenas.  A diferencia del 2020, este año nos ha traído bastantes películas interesantes, y más viniendo de un año anterior tan desastroso en todos los sentidos.

Así como hicimos lo mejor del 2021 en series de tv, ahora hemos creado nuestra ya (regular) lista de las mejores 12 películas del 2021, y aunque tenemos también pendiente las decepciones del 2021 (tal vez en un post) no queremos desaprovechar la oportunidad para esta otra.  Asi que ponganse comodos y disfruten.

Licorice Pizza (Paul Thomas Anderson)

Hemos analizado bastante esta posición porque pudo haber sido “Tick, Tick…Boom!”, pero también pudo haber sido “Spencer”, pero también teníamos “Drive my Car”.  ¿Wheel of Fortune and Fantasy? ¿The Worst Person in the World? ¿The Card Counter? Todas esas podíamos tenerla aquí, porque son excelentes películas pero nos hemos quedado con lo último de Paul Thomas Anderson llamado Licorice Pizza.  ¿Y por que? Porque es una oda maravillosamente nostálgica y evocadora de la juventud y del cine más clásico y desenfadado.  Las actuaciones de Alana Haim y Cooper Hoffman, novatos en esto, es IMPRESIONANTE con mayúscula, pero, ¿y la dirección? Esto solo tiene una respuesta: Paul Thomas Anderson.

Planos fluidos, un guión bien estructurado y desarrollado tanto a la historia como a los personajes, dando una historia totalmente REAL pero en el cine.  No nos caben palabras para describirla y solo nos queda recomendarles esta película y que prueben este cine que desborda maravillas.

The Power of the Dog (Jane Campion)

El género del western es una maravilla del cine más clásico, el cual, no se ha perdido pero si se ha abandonado (que no es lo mismo).  La directora australiana Jane Campion lo toma para hacer de ello una obra tensa y delicada que se forma a fuego lento pero bien estructurado.  Su puesta en escena, música, fotografía e interpretaciones son todas excelentes y le dan el sentido y complejidad a un filme personal y que deconstruye el juego de poder.

West Side Story (Steven Spielberg)

Cuando Steven Spielberg dijo que iba a realizar un remake de “West Side Story” de 1961 de Robert Wise, muchos pensamos que no le iba a poder llegar ni a los tobillos, ya que hablamos de una obra de arte del cine clásico y el cual se ha convertido en una obra atemporal y de culto.  Sin embargo, Spielberg logra algo que parecía imposible: otra obra de arte clásica y atemporal.  Logrando modernizar con algunos cambios importantes, claves y muy bien creados, el director consigue una estimulante obra que visualmente fascina y con una puesta en escena emotiva.

Red Rocket (Sean Baker)

Una tragicomedia con un guión y dirección de Sean Baker, experto en regalarnos esos personajes marginados en un mundo colorido y sensible.  El actor Simon Rex consigue una interpretación poderosa llenando la pantalla de elocuencia, alejándose de la tragedia y abrazando la comedia involuntaria logra hacer mucho.

Dune (Denis Villeneuve)

Un blockbuster de autor y épico, es difícil de lograr hoy en día y el director Denis Villeneuve lo consigue con creces.

Trabaja la épica con un notable estilo visual y un diseño de producción bastante alto.  La dirección es pausada pero sin dejar de perder el pulso en ningún momento.  Aunque pierde mucha fuerza con su guión y sus personajes, dejando a un lado algo tan básico como el desarrollo de ellos, la experiencia sensorial que genera este filme es tan grande y abrumadora, que es fácil pasar por alto sus defectos.

Zola (Janicza Bravo)

Saca humor absurdo e incluso poesía en lo sórdido.  Janicza Bravo logra que un hilo de Twitter sea arte cinematográfico con estilo y fuerza.  A todo esto la química de los actores, principalmente entre Riley Keough y Taylour Paige le da una fuerza increíble a la película que es imposible no pegarse durante sus 90 minutos.

The Mitchells vs. the Machines (Michael Rianda y Jeff Rowe)

Esta fue sin duda una de las selecciones más difíciles, porque estábamos entre la hermosura visual y de guión de Luca, pero también también ante la complejidad y profundidad de Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time, sin embargo lo último de Michael Rianda y Jeff Rowe (que se iba a estrenar en el 2020 pero por cuestiones de la pandemia, movió su estreno para el 2021 por la plataforma Netflix) es sin duda el mejor animado del año.

Con un ritmo salvaje, hilarante comedia, un guión bien estructurado y una animación cuidada (que mezcla el 3D con el 2D, dibujos a mano y acuarela), los directores tiran todas las ideas que tienen a la pantalla, y la mayoría funcionan perfectamente bien.

The French Dispatch (Wes Anderson)

Tal vez su guión esté sobrecargado de información pero la dirección y puesta en escena, hacen que la película sea una hermosura estética.  Las actuaciones, todas interesantes (a pesar de que pocas destaquen por la gran camada de actores que pasan por pantallas, incluso algunos en plan de cameo), hacen que el filme brille aun mas, y si a eso le sumamos el interesante humor infantil y negro que tiene el director, esto se convierte en una de las mejores del año sin duda.

Judas and the Black Messiah (Shaka King)

El primer largometraje de Shaka King no es para menos.  Una enérgica apología contra las luchas de razas, en un ritmo de “thriller” con muchas influencias al cine más clásico de Scorsese.  El guión no sobreexplica, la dirección no es abrumadora, pero todo tiene un pulso tan bien cuidado que es fácil adentrarse a su mundo, y para terminar de absorbernos, está Daniel Kaluuya mostrando propuestas revolucionarias intensas, Lakeith Stanfield nos arrastra hacia la oscuridad mientras que Jesse Plemons nos deja en la oscura encrucijada.

The Suicide Squad (James Gunn)

James Gunn, aquel director que llegó al mainstream gracias a Guardianes de la Galaxia, fue despedido de Marvel por unos chistes (de mal gusto) que había realizado en su pasado.  Warner/DC ni tan tonta ni perezosa decide contratarlo para que dirija la película que él entienda y de ahí ha salido esta visión (renovada) de estos villanos.  Salvaje, con buenos efectos, y que enamora por su absurdo.  Amor a los cómics y a estos personajes es lo que brinda el director.

Zack Snyder's Justice League (Zack Snyder)

Cuando en el 2017 se estrenó la versión del director Joss Whedon, los fans se molestaron tanto que empezaron a exigir que salga la que el director Snyder había realizado.  Al inicio nadie pensó que eso funcionaria, pero la presión de los fans fue tan grande que el estudio vio una oportunidad ahí para complacerlos y de paso para lanzarlo como caballo de Troya para su plataforma.  Y sin duda alguna valió la pena, porque esto es Zack Snyder desatado en una película de 4 horas que está lejos de aburrir.

Mejores desarrollos de personajes, de historia, puesta en escena, acción, banda sonora e incluso edición, son de los tantos elementos interesantes que contiene esta versión del director.

Spider-Man: No Way Home (Jon Watts)

Convirtiéndose en un estupendo entretenimiento, la última carta de Marvel es una declaración de amor hacia los fans.  Guiños, sorpresas, nostalgia, un ligero toque de drama y comedia, pero bien medida, en una de las aventuras más interesantes del universo Marvel después de Shang Chi.

Tal vez no tiene grandes dotes cinematográficos, pero es un carrusel de emociones que es imposible no enamorarse.

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Con la misma dinámica en la que hicimos el top de series, vamos a iniciar el top de películas.  Naturalmente este será solo de doce películas y no tendrán las mismas reglas que tomamos con las series, ya que naturalmente no se rigen bajo las mismas reglas.

Sin muchos preámbulos pues vamos a iniciar:

12-US [Jordan Peele]
El guión de Peele es una delicia que se disfruta a fuego lento.  Es cierto que tiene unos pequeños hoyos creados a conveniencia (que los dobles decidan jugar con sus víctimas, es uno de ellos) pero esto no arruina la experiencia lograda con la práctica de la contención y la pausa.  Utiliza metáforas y doble lecturas para reflexionar sobre la sociedad actual y de paso, la crítica fuertemente. Las actuaciones de Lupita Nyong’o es soberbia, la fotografía de Mike Gioulakis es de elogios con esos tonos rojos y negros, mientras que la música de Michael Abels es preciosa.  Pero quien no se queda atrás es el mismo Jordan Peele, que además de guionista es el director logrando poner el lente en momentos adecuados tanto para hacer referencias como para dejar un punto inflexivo.

11-Shazam! [David F. Sandberg]
Una película divertida que no teme en demostrar su verdadera cara, y eso es lo que la hace mejor, porque en vez de buscar trascender busca solo divertir, sin necesidad de saturar.  El guión falla en ciertos momentos, pero destaca por mucho cuando busca darle sentido al aspecto dramático, siendo este el mejor de todos y el más estructurado. Todos los actores están muy bien, pero quien se lleva los elogios es Jack Dylan Grazer ya que con toda la soltura que él entiende, libera al personaje de una estructura concebida dando grandes momentos de comedia improvisada.

10-Avengers: Endgame [Anthony y Joe Russo]
La última película sobre el grupo de superhéroes tiene todo lo que se puede esperar y más.  Es un espectáculo a primer nivel de entretenimiento sin pretensiones. Es alto, ruidoso y lleno de emociones.  El guión flojea en muchos momentos claves y se contradice a sí misma, pero la dirección tiene tan buen pulso, que podemos pasarlo por alto para divertirnos.  Las sorpresas están en dramática reconstrucción de personajes, que puede ser lenta, pero efectiva. Aunque existan miles de películas de Marvel, tal vez ninguna sea tan grande como esta.

9-Toy Story 4 [Josh Cooley]
Plantea la evolución de sus personajes y su propia maduración.  Rompe con una de las reglas del personaje de Woody, pero al hacerlo de forma tan sutil y orgánica lo hace interesante y real.  Se contradice y tal vez, comete un error, pero su dirección es tan ingeniosa que rezuma la sensación de que no falta nada y es lo correcto.  En animación está a la altura y su musicalización a cargo de Randy Newman recuerda mucho a otros de sus trabajos como “Inside Out” pero más dramáticos.

8-Once Upon A Time In…Hollywood [Quentin Tarantino]
Leonardo DiCaprio y Brad Pitt tienen la película por el mango con unas actuaciones dignas de aplausos.  La cámara de Tarantino también hace su juego lleno de momentos brillantes y de auténtico amor al cine. Es fantástica, maravillosa y muy personal, porque esta película de Tarantino rebosa personalidad.  Es lo que el director hubiese querido ver, vivir y sentir. Es una carta de amor a ese Hollywood de los 60’s en pleno final de un movimiento y pensamiento como es el hippie. El guión está lleno de momentos de esa época dorada, su vestuario es el adecuado e incluso su escenografía y la forma de hablar de los personajes.  ¡Tarantino pensó en todo!

7-Uncut Gems [Ben y Joshua Safdie]
La película de los hermanos Safdie es estresante, frustrante.  Un ejercicio de inestabilidad que está bien filmada y actuada. Adam Sandler demuestra una vez más que es un verdadero actor con todas las de la ley logrando crear un personaje con un desarrollo de vértigo.  El pulso narrativo es genial dando uso a donde su trama está situada: New York. Una verdadera sorpresa que supera todas las expectativas y que deja un final agridulce para las 2 horas que ofrece de pura tensión y adrenalina.

6-The Lighthouse [Robert Eggers]
El dúo actoral de Robert Pattinson y William Dafoe es titánico e intenso.  Esta historia tiene esencia de cuentos clásicos de Edgar Alla Poe, llena de terror fantástico bien estructurado.  La historia (escrito por los hermanos Eggers) deja demasiados momentos para el lucimiento de los actores, para el desarrollo de los personajes y de las situaciones y para dejar al espectador descansar y digerir, porque el director conoce lo que hace y se toma su tiempo para transformarlo como si de una bestia marítima se tratase.  Una narrativa fenomenal que no puede pasarse desapercibida.

5-Ford VS Ferrari [James Mangold]
James Mangold consigue que las dos horas y algo que dura su metraje, sean de lo más interesante con un Christian Bale dándolo todo (nada nuevo) y un Matt Damon que destila empatía.  Pero en cuestiones actorales quien se lleva parte de la palma y está muy desaprovechado, es nada más y nada menos que Jon Bernthal (“The Punisher”) quien rebosa un carisma interesantísimo.  Un brillante apartado audiovisual como es la fotografía (con esos hermosos atardeceres), o la edición de sonido (escuchar esos motores de vehículos y que no molesten o eclipsen las conversaciones o canciones).  Momentos interesantes en donde una amistad está por encima de los negocios y con un final que llega al corazón, pero no destruye las imágenes de los personajes.

4-Joker [Todd Phillips]
Un estudio de personaje que se suma a la corta lista de los mejores.  Descomunal Joaquin Phoenix quien hace que cada fotograma, cada escena y cada momento en donde le toque actuar sea para prestar atención en él.  La música de Hildur Guonadottir es oscura y pesimista, la cual juega con la impresionante fotografía a manos de Lawrence Sher y con el guión escrito por Scott Silver y el mismo Phillips.  Y es que la película es un conjunto total de piezas que se van construyendo una a una para llegar a un clímax lleno de caos, resentimiento y muchas malas intenciones. Una evolución y desarrollo que elevan el clímax y con una simple escena donde se dibuja una sonrisa en el labio de un personaje, puede crear todo tipo de emociones.  Una historia llena de doble lecturas, de parábolas y en donde cada palabra (al igual que cada luz, cada escena o cada tono musical) tiene un significado.

3-The Irishman [Martin Scorsese]
¿Que se puede decir que no se haya dicho de la última película de Scorsese y de paso, obra maestra del cine clásico? ¿Que las actuaciones son todas magistrales pero que Al Pacino y Joe Pesci destruyen la pantalla en cada escena que salen? ¿Que la historia adaptada por Steven Zaillian es aprovechado al máximo por Scorsese y que incluso le suma mucho más su dirección? ¿Qué técnicamente no tiene ningún defecto? Tal vez lo único que podemos reclamar es el hecho de su duración, el cual nos parece un total exagerado cuando tiene varias escenas que, si se suman, aportan muy poquito a una película en donde su personaje ya ha estado totalmente desarrollado y no le aporta nada, pero como dijimos, este cine está por encima de la media.

2-Marriage Story [Noah Baumbach]
Scarlett Johansson y Adam Driver son exprimidos al máximo para entregar lo mejor de ellos.  Johansson logra varias escenas bien poderosas. Los actores todos destacan, incluyendo los secundarios como Laura Dern o Alan Alda.  El guión es una espina dolorosa que cualquiera que ha pasado por una ruptura puede identificarse con facilidad. Momentos con unos monólogos destructivos como puede ser el de Laura Dern al final de la película sobre el concepto del “padre perfecto” o el de Johansson sobre el verdadero rol de la “esposa”.  Las pocas dosis de comedia que tiene la película son tan involuntarias que es difícil catalogarla como cómica. Deslumbra en todos sus movimientos y apartados, pero sabe que debe enfocarse en solo dos: actoral e historia con todo y diálogos, y la película los cumple con creces.

1-Parasite [Bong Joon-ho]
Con un guión perfecto con una lleno de giros argumentales uno detrás de otro y que funcionan a la perfección.  El director usa la casa y las familias como metáfora social, dando críticas a diestra y siniestra en un guión redondo.  La dirección es extraordinaria y sorprendente, ya que Bong Joon no se inmuta ni en los momentos más hardcore ni en los momentos más ácidos.  Por si fuera poco, regala tonos de comedia negrísima y encima de eso abre la puerta a que nos podamos reír de algo que en otros momentos no creamos posible, mientras de paso nos hace reflexionar sobre ello.  TODO funciona en esta película. ABSOLUTAMENTE TODO. “Parasite” es una lección de cómo se hace una crítica social sin ridiculizar, sin clichés y sin miedo.