Hay temas que suelen ser desoladores y el de “Fragmentos de una Mujer” es uno de ellos.  Película protagonizada por una Vanessa Kirby en estado de gracia y un Shia LaBeouf bastante mal aprovechado, y que durante todo el trayecto nos preguntamos: ¿qué es lo que quieren contarnos el director Kornel Mundruczo y la guionista Kata Wéber con esta película?

Y alguien puede decirnos (y lo hemos leído) que trata sobre los efectos de la pérdida, también que puede ser como el desgaste de un matrimonio puede verse afectado ante esto, sobre la manipulación de la familia ante un duelo, como las clases sociales no soportan una tragedia o sobre las nuevas modas obstétricas de utilizar una partera.  Todo esto condensado en una extensa, efectista y bien lograda escena de 30 minutos en un plano secuencia (no hay cortes de cámara) sobre el parto.

Sin embargo, el problema de esta película es que no logra traducir adecuadamente todos esos tópicos y conflictos (si es que se trata de todos ellos) en términos dramáticos a través de personajes y de una historia que evolucionan y conmueven y cuyos elementos se ensamblan y complementan.  El desarrollo del personaje de Kirby es paulatino y que solo al final, podemos ver un atisbo de ese desarrollo pero de forma sorpresiva, sin esperarlo, aunque en honor a la verdad, creíble.  Por otro lado, la grandiosa Ellen Burstyn se traga dos momentazos en un primer plano pero con un desarrollo tan pobre que al final queda en nada.  Y ni hablar del personaje de Shia que es una pérdida de tiempo durante todo el trayecto de la película, después de los 30 minutos iniciales.  Sobra TOTALMENTE.

Y mencionamos que sobra, e iremos a ello, porque el personaje sobreactuado de Shia LaBeouf no contribuye a que Kirby evolucione ni tampoco la trama.  ¿De qué nos sirve su relación con la abogada? ¿De que nos sirve su intento de tener sexo con su esposa? ¿De qué nos sirve su ira? ¿De qué nos sirve el abandono de su trabajo? ¿De qué nos sirve todo los celos y diálogos de que el si puede costear algo?

“Fragmentos de una Mujer” es una película desaprovechada y que pudo ser más impactante porque es un tema que Hollywood no suele mostrar.  Pudo haberse convertido en el drama por excelencia del 2021, pero se queda en otro drama con buenas actuaciones de parte de su protagonista.

Veredicto

No dudamos que las mujeres de este film logren una nominación ya que tienen buenas interpretaciones.  En cuanto al actor, pues, para nosotros sería una sorpresa.  Netflix se levanta con otro drama sobre el matrimonio pero con un final novelesco y un desarrollo muy lamentable que nos deja un mal sabor de boca.

5 / 10

Hay que entender algo: las adaptaciones de novelas y cómics, nunca son 100% idénticas.  Y eso se debe a que cada adaptación tiene que moldearse a ciertos códigos cinematográficos que, no son iguales que los de los libros y cómics (e incluso videojuegos).  Dicho esto, pues no esperamos que la adaptación de CBS a la famosa y buena novela de Stephen King, “The Stand” o como se conoce en Latinoamérica, “Apocalipsis” sea lo más fiel posible, sin embargo uno espera ciertas coherencias narrativas que, ayuden a entender al espectador que no ha tenido la oportunidad de leer la historia y al que la leyó, sienta que está viendo algo similar a como lo imagino.

Es un trabajo difícil, pero se logra, y ejemplos tenemos con “El Señor de los Anillos” de Peter Jackson o las primeras temporadas de “Juego de Tronos”.

Entonces, ¿qué sucede con The Stand? Primero debemos mencionar los cambios de personajes, y no nos referimos a razas o géneros, más bien, a cambios de actitud lo cual, al menos en esta historia, es fundamental, porque para quien no lo sabe y se quiera poner en contexto, la historia (que está dividida en tres libros) trata de un mundo devastado por un virus que mata a las personas dejando a menos de un 10% de la humanidad viva por una extraña inmunidad.  Ese pequeño grupo de personas se dividirán en dos grupos, en un cambio radical de la historia en donde se inicia una lucha del bien contra el mal.  Por un lado están los que viven en un pueblo llamado Boulder y que luchan en nombre de la luz y de Dios, por otro lado están los que viven en Las Vegas, liderados por la oscuridad y el diablo.  Para este grupo de Boulder se necesitan ciertas características como el perdón, la aceptación, la amistad, en pocas palabras valores positivos, algo de lo que durante la serie completa no vemos un solo rastro.

Es tan alarmante el asunto, que el personaje de Irene Bedard, quien se supone que interpreta a una campesina con poca educación pero un gran corazón, tiene varios momentos donde desea que cierto personaje muera o al menos sea abandonado a su suerte.  Y ni hablamos de Larry Underwood quien pasa de ser un verdadero mal nacido (egoísta, miserable, drogadicto, odioso con fama, ateo) a convertirse en casi un santo, pero en la serie tenemos al mismo personaje que vimos al inicio.  ¿Por qué esto es importante? Porque si estos son los que luchan contra el mal, pues poco le llevan sus personalidades.

Más allá de eso, no queremos mencionar el desastre narrativo y de dirección que tiene Josh Boone, donde va dando saltos temporales durante toda la serie y que pueden llegar a confundir porque para colmo, no tienen ni la delicadeza de hacer la edición más placentera, como vimos con la excelente Dark.  Aunque ya para el tercer episodio uno puede acostumbrarse.

“The Stand” no tiene todo malo, ojo con eso, las actuaciones son bastante buenas alabando a Whoopi Goldberg como Madre Abigail, Alexander Skarsgard como Randall Flagg, Owen Teague como Harold Lauder y Brad Henke como Tom Cullen.  Al igual que los efectos que están bastante bien logrados.

Veredicto

Al final “The Stand” es una adaptación muy regular casi tirando a mediocre, pero que es salvable por unos cuantos elementos que la hacen entretenida.  Vale la pena si leiste el libro y vale la pena si tampoco lo has leído, porque esperamos que te den ganas de leerlo y disfrutar de una muy buena historia.

4 / 10

Que maravilla es encontrar una película que toma al espectador con respeto, aunque sea niños o adultos.

Peter Docter es uno de los grandes de Pixar, creador de “Intensamente” y este año tenía planes de estrenar en el mes de Julio la película “Soul” pero por cuestiones que ya conocemos, pues no les quedó opción que estrenarla este 25 de Diciembre.

“Soul” habla sobre los propósitos en la vida, quienes somos y lo que podemos aspirar a ser.  Sobre las ilusiones, aspiraciones, frustraciones, éxitos y lo que nos hace seguir adelante, que nos conecta con la vida.  Es un filme bastante profundo, inteligente, emocionante y muy reflexivo.

Se puede catalogar como una comedia, pero también tiene momentos dramáticos, fantasmales y simpáticos. La película comienza haciéndonos un retrato de cómo es la vida del protagonista, que aspira a algo más que a ser profesor de unos niños que en su mayoría no saben tocar ni les apasiona lo que hacen. Y por algunas circunstancias que no voy a revelar se presenta la oportunidad de su vida, pero sufre un percance importante.

Es un cuento para adultos, de hecho es posible que muchos niños no la entiendan aunque la podrán ver. Visualmente es un espectáculo, tiene sus momentos bellos, todo un universo creado para la ocasión, no defrauda en ese aspecto.

La gran sorpresa es la banda sonora a manos de Trent Reznor y Atticus Ross, en donde predominan los teclados un tanto oscuros.

Veredicto

Al final es una joya de Pixar y sin duda de lo mejor que se ha estrenado este año y mucho mejor terminar viendo algo tan positivo y que nos hará reflexionar en muchos aspectos.

Este año ha sido pésimo para todos, y DC no ha sido la excepción.  Iniciando el año con “Birds of Prey” y que se perfilaba como una de las peores películas del año, ahora repiten con “Wonder Woman 1984”, la cual pretende ser la película que perfile a la plataforma HBO Max.

El filme que viene de mano de Patty Jenkins, otra vez en la dirección e historia, carece de la fuerza suficiente para mantener durante las más de dos horas al espectador interesado en lo que va sucediendo y en lo que sucederá.  Primero está la ambientación, la cual está ambientada en los 80 ‘s solo por el título y dos escenas, pero que fácilmente pudo haber estado ambientada en cualquier otra época ya que esto sirve bien poco.  Por otro lado tenemos el nefasto guión que viene de mano de Geoff Johns y que es un absurdo total.  Los villanos no tienen una motivación directa, Wonder Woman anda en piloto automático y la vuelta del personaje Steve Trevor (Chris Pine) no aporta absolutamente nada al filme.

Pero por si fuera poco, tampoco ayuda el hecho de que Wonder Woman como personaje, solo lo veamos en un total de algunos 10 o 15 minutos porque el filme se olvida de ello por completo.  Hans Zimmer en la música tampoco aporta nada nuevo o al menos interesante y pasa sin pena ni gloria.

Al final gran parte del poder de la película está en los hombros de los actores, principalmente Gal Gadot y Pedro Pascal quienes se desenvuelven con mucha soltura por la pantalla regalando momentos geniales.  Kristen Wiig y Chris Pine hacen lo que pueden con sus personajes, y logran mucho pero el poco desarrollo que se les da no pueden hacer mucho.

Al final “Wonder Woman 1984” no da la talla y se convierte en otra mala película de DC, la cual cae en picada por su guión, el cual es bastante flojo.

Veredicto

No esperen un torrente de acción ni tampoco grandes momentos de epicidad como la primera parte.  Con una cantidad innecesaria de escenas que no aportan absolutamente nada.  Con mucho esfuerzo sus actores levantan lo poco que pueden del filme, pero, ¿vale la pena? La respuesta es NO.

4 / 10

El arte es algo particular.  Podemos ver o escuchar algo y, si está bien hecho, puede interpretarse de distintas formas.  En el cine lo vemos a cada rato, principalmente con las películas del director Christpher Nolan. ¿Ha sido un sueño lo que Dominick Cobb vive al final de Inception? ¿Queda algún clon de Robert Angier en la película El Truco Final? y ahora, ¿Qué es lo que pasa en Tenet?

Queremos dejar claro que entendemos que se ha apelado demasiado por no entender la película, e incluso, se estimula a los demás a eso mismo, algo que el espectador, inconscientemente llega a ella con esta idea.  Nosotros no vamos a explicarla, porque no nos sentimos en derecho a ello, sin embargo vamos a dejar claro que la película es bastante entretenida, marca de la casa.

Tenet y las similitudes con las otras obras de Christopher Nolan – Voz  Actual

Porque eso es al final, una película entretenida que cumple sus propósitos de mantener al espectador atento a la trama.  A nivel técnico es bastante buena algo que no sorprende a estas alturas.  En esta ocasión Nolan no trabaja con Zimmer, alguien usual en sus filmografia y opta por dejarle el cargo musical a Ludwig Goransson, el sueco que hizo la increíble banda sonora de Pantera Negra.  Algo particular es que las composiciones musicales iban de atrás hacia adelante, y muchas se repetían pero ya hacía delante de forma normal.

En cuanto al guión, ya conocemos a los hermanos Nolan.  Diálogos poéticos, mucha psicología de personajes, desarrollo a medias pero suficiente para poder entender a los personajes y sus propósitos, y si a eso le sumamos la rápida edición que acostumbra el director, pues tenemos el cóctel perfecto.

Why 'Tenet' Was the Wrong Movie at the Wrong Time - Variety

La película lamentablemente no pasará a la historia.  Incluso ya ha perdido suficiente dinero, algo que no es buena señal.  ¿Recomendable? ¡Claro que sí! ¿La mejor de Nolan? ¿Acaso importa?

Veredicto

Christopher Nolan logra un blockbuster inteligente y de autor que cumple todos los propósitos.  Tiene sus huecos, no es perfecta, pero estarás tan entretenido buscando una respuesta que no pensaras en ello…al menos hasta el final.

7 / 10

A estas alturas el cineasta Aaron Sorkin es considerado una autoridad en Hollywood.  El creador del guión de “La Red Social” , aquella magnífica película dirigida por David Fincher llena de diálogos demoledores, al igual que la famosa serie ya de culto “El Ala Oeste de la Casa Blanca” y otros grandes guiones que tienen muy pocas cosas que reclamarles.  Este caballero decidió hace un tiempo intentar dirigir su propia película y así lo hizo con “Molly’s Game” que a pesar de la buena acogida de la crítica el público y los premios no le dieron el interés esperado, sin embargo Sorkin al igual que la mayoría de sus personajes, no se rinde y ha vuelto ahora bajo el manto de Netflix para escribir y dirigir “El Juicio de los Siete”.

Para quien no lo sepa, este juicio fue algo real y según lo que hemos investigado el mismo fue tan caótico y surrealista que lo que estamos viendo en pantalla ha sido muy poco para lo que fue (bueno, menos algunas partes que explicaremos más adelante).

Vamos por parte:  El reparto de esta película es de una calidad extraordinaria y es uno de los ganchos de la película.  Todos están de maravilla pero quienes se llevan lo mejor del pastel son Jeremy Strong con un registro totalmente distinto a lo que ya hemos visto de este actor y que lo logra con una excelencia increíble donde cambia hasta el tono de su voz.  Frank Langella y Mark Rylance son quienes logran las escenas con más tensión sólo con sus diálogos y cómo dejar fuera a Sasha Baron Cohen, el cual logra en base a unas escenas de stand up (y gracias a la edición) algo bastante interesante y divertido.

Visualmente la película no es que vaya a lograr maravillas y dar clases.  Es bastante correcta.  Aquí se nota que ha tomado mucho de Fincher con estas escenas intercaladas donde los diálogos se van uniendo en distintas escenas a golpe de música hasta llegar a uno de los tantos clímax que tiene la película.  Porque el filme en su gran parte de sus dos horas es en una corte, lo cual debe ser sostenido por un guión y señoras y señores, el guión funciona bastante bien.

Nosotros somos amantes de los buenos guiones y es prácticamente donde más nos enfocamos a la hora de escribir una reseña.  Sorkin se caracteriza por escribir diálogos rápidos, afilados y cargados de elementos.  Es algo que se ve mucho en los juicios en donde los abogados, se viven lanzando puyas mientras tratan de convencer al juez, al jurado y de mantenerse cumpliendo las reglas, y aquí nuestro guionista sabe aprovechar cada momento y cada diálogo de forma inteligente.

Agradeciendo mucho el montaje donde las múltiples analepsis están bien empleadas y el guión, la única pega que podemos encontrar y que nos resultó bastante difícil de tragar es la de Sorkin buscando (no sabemos si por obligación de Netflix quien es quienes acostumbran a eso, pero lo dudamos) emplear un mensaje triunfal.  El guión, por ejemplo, toma las perspectiva discordantes dentro de los progresistas pero no las explota.  Nos la mantiene ahí, desde el inicio y sabemos que quiere hacerlo pero no lo hace.  Nos brinda dos o tres escenas con un interesante debate pero luego, casi de inmediato lo arregla con un personaje dándole un giro a la situación y dejando eso en segundo plano.  Por otro lado está el final, que sabemos que tiene su lado de ficción, pero este recurso narrativo es bastante penoso como final, sabiendo que Sorkin ha logrado mejores cosas, a pesar de que sabemos que el final es algo agridulce.

Veredicto

Es un drama judicial muy intenso y que no da respiro, donde hace gala de diálogos totalmente increíbles y llenos de buenos momentos.  Sin duda una de las mejores películas de lo que va el año 2020.

Estamos en tiempos difíciles.  Hollywood anda sin ideas y el mundo anda nostálgico, así que los remakes son el pan de cada día.  Por eso al ver que Blumhouse Productions, se interesa en otro remake como es “The Craft” pues no nos sorprendimos.

Primero hay que destacar que la primera película es bastante mala y es solo recordada por unos efectos bastante amenos para la epoca ademas de servir para un documental de Discovery Channel sobre este mismo tema y que logró un buen impacto haciendo que la película vuelva a tener cierta popularidad.  Este remake de “The Craft” no repara los errores anteriores sino que suma otros nuevos.

Primero no hay desarrollo de personajes más allá que el de Cailee Spaeny, quien el guión le da suficiente momentos para lograr una profundidad interesante que enriquecería la película completa (y hasta la mitología que esta trae) pero solo logra algo aceptable.  Michelle Monaghan está totalmente desperdiciada, y mejor ni hablar de los demás que apenas se pasean frente a la cámara sin gracia alguna.

La dirección y guión de Zoe Lister Jones está enfocada en dar un mensaje que en ser realmente interesante.  Un mensaje sobre el bullying por aquí, otro sobre el racismo por allá, un poquito de feminismo, y así durante sus casi una hora y algo los personajes sueltan perlas que la directora entiende que son más importantes que desarrollar al menos la trama.  Porque es que la trama no tiene ni se le espera.  El porqué deciden formar el grupo de brujas no es creíble y ya el grupo formado y con libro en mano, tampoco es creíble que con dichos poderes y motivos por el cual deciden juntarse, pues hagan lo que hagan.

Puntos a favor que tiene la película es su particular primera mitad donde a pesar de sus defectos, el progreso, como ya habíamos mencionado, del personaje de Spaeny se desenvuelve y tiene un ligero desarrollo que invita a querer conocerle un poquito más.  Además de su actuación la cual es bastante convincente.

Veredicto

“The Craft” es un remake de una mala película de culto que no hace mas que pasar desapercibida como lo hizo “Black Christmas” en su momento.  En vez de ir un poco más hacia el desarrollo y hacer algo más grande en cuestión de historia donde puedan crear todo un universo de brujas, pues optaron por ir a lo ya visto y explotar (una vez más) la nostalgia.

4 / 10

Para nadie es sorpresa que HBO mantiene una calidad en sus productos bastante buena.  La casa que creó a “Juego de Tronos”, “Chernobyl” y “Westworld” no se le puede negar que apuesten por hacer algo malo y de poca calidad visual.  O tiene las dos o tiene una.  “Lovecraft Country” no es la excepción.

Esta serie creada por Jordan Peele, quien ha demostrado ser un fan del genero del terror y fantástico, además de saberlo manejar a la perfección, ha logrado una serie bastante entretenida, con unos momentos sorprendemente grandiosos pero con una calidad argumental de un coco.

Atticus Black, interpretado por Jonathan Majors, se embarca en un viaje por la carretera junto a su amiga Letitia, interpretada de forma magistral por Jurnee Smollet-Bell y uno de los mejores pilares de la serie, y su tío George (Courtney Vance), con el objetivo de encontrar a su padre que ha desaparecido.  Todo esto en los años 50, donde el racismo estaba a flor de piel donde el negro era considerado una basura.  Hasta ahí todo va bien, pero el fallo llega cuando acabamos el primer capítulo y nos damos cuenta que el argumento se ha acabado.  Aún nos quedan 9 capítulos más donde las cosas empiezan a suceder pero sin motivo alguno (aunque sigan insistiendo en que saben cual es el motivo).

¿De qué nos sirve la casa fantasma? ¿El propósito del policía realmente es el que vimos en el capítulo nueve? ¿Para que son todos esos viajes a todas partes si podían ir directamente al portal? ¿Por que Christina les pone a dar vueltas si ella ya sabía lo que necesitaba? ¿Para que nos cuentan la historia de Corea de Atticus si no influye en nada? Y así pasamos la temporada completa, preguntándonos si realmente vale la pena lo que nos están desarrollando.  Eso sí, con un estilo pulp bastante divertido que, como hemos mencionado, hace que sea muy entretenida al punto de querer saber un poco más de este extraño mundo y sus personajes.

Otro de los defectos, y este es bastante marcable, es la selección musical y el discurso anti racista que tiene, el cual por momentos cansa.  Aquí no existe un solo blanco bueno y no es mentira.  Todos los personajes blancos que salen, son malos o despreciables.  Y en cuanto a la música, pues que decir, en medio de los años 50 tenemos una canción de CardiB que nos sacó totalmente de la escena.

Visualmente: muy bien.  Interpretaciones: correctas.  La puesta en escena: de lujo.  Aun con sus locuras, la representación de la época es magistral.  No podemos decir que sea buena porque entretiene, aunque no sepamos qué está pasando.  Se queda corta y como un producto aceptable casi tirando a mediocre.  Lamentablemente.  Si llega a tener una segunda temporada (ya que fácilmente el final de temporada cierra la mayoría de arcos), pues esperamos que mejoren el guión.

Veredicto

No hay dudas de que las ideas son buenas y de que el apartado técnico es excelente, pero por momentos es confusa, poco sutil y muy lineal.

5 / 10

Para nadie es sorpresa quién es Borat.  Su popularidad es increíble y todo por una película que se ha convertido en ícono inmortal del cine.  Y es que su primera parte causó un revuelo tan grande que metió en problemas diplomáticos a Kazajistán, algo que todavía al día de hoy no pasa desapercibido.

Para quien no sepa como va el asunto con las comedias del actor Sasha Baron Cohen, pues les explicamos: este se disfraza de un personaje, en su mayoría bastante exagerado y controvertido pero muy creíble y realiza bromas a los más incautos en cámara oculta.  Su humor busca humillar y burlarse entre la obviedad y lo absurdo.  En esta secuela de Borat el único cambio que tiene es el de utilizar a su falsa hija Tutar, interpretada por Maria Bakalova.  La actriz es la razón y el punto fuerte de este filme, y el actor lo sabe por lo que le da los mejores momentos para que la chica lo desarrolle a su gusto.  Desde ir a un pequeño congreso de mujeres cristianas para hablar de la masturbación hasta dejar en ridículo al abogado de Donald Trump y ex alcalde de New York.  En cada escena donde la joven chica se cruza, se busca recrear el modelo de la mujer americana que apoya la administración de Trump y el sector más conservador.

Es difícil calificar esta película porque su humor no es para todos, tampoco es que amerite un guión lo suficientemente elaborado y su puesta en escena como falso documental puede tener todos los fallos del mundo pero eso puede ser adrede o no.  La verdad que hemos pensado mucho esto porque después de analizarla detenidamente, la película es suficientemente sostenible y entretenida.  No se va con rodeos y su humor, aunque como mencionamos, puede que no te haga reir pero si al menos lograra sacar una sonrisa de sorpresa porque los protagonistas van a terrenos que rara vez son tomados en cuenta en el humor.

Al final el objetivo del chiste con Tutar no es exagerado y tiene un significado.  Su sacrificio no es otro que dejar claro cuales son las mujeres y hombres que tienen voz en la administración de EUA actual.  Borat es escuchado cuando levanta la voz con mensajes racistas y machistas, mientras que en el caso de Tutar es ser entregada al poder, y para eso debe cambiar su cuerpo (la escena con el cirujano), y cambiar de pensamiento (las escenas en el baile, el grupo conservador y la influencer con un sugar daddy).  La ironía llega no solo con un final controvertido y explosivo, sino cuando dejan claro que las mujeres son más libres en Kazajistán.  Aquí es donde todos los chistes tienen sentido.

Veredicto

Borat 2 (con su nombre bastante largo) es amena y bastante alocada.  Tiene sus momentos brillantes pero no como la primera parte.  Poco se puede hablar de forma técnica de una película que poco le importa todo.

6 / 10

Grata fue la sorpresa el año pasado al ver que Amazon apostaba por una nueva serie de superheroes basado en unos comics creados por Garth Ennis (aquel hombre que creo “El Predicador”) y llevado a la television por Eric Kripke (el creador de “Supernatural”), porque este pedazo de series de 10 episodios tenia un humor bastante negro, personajes bien definidos y con un excelente desarrollo, una trama oscura pero bastante interesante y todo un apartado increible que despertaba conocer mas y mas sobre este universo.  El éxito estaba asegurado, de eso no había duda.

Ya la segunda temporada se ha estrenado (y terminado) y tuvimos que esperar Viernes tras Viernes para poder verla en su totalidad, porque Amazon ha apostado por un formato episódico semanal, algo que hacía que la serie se sienta desdibujada por momentos ya que su creación, obviamente, no ha sido para eso, pero ¿daña la experiencia? Si.  ¿Es culpa de la serie? Para nada.  Por esa razón lo mencionaremos como una queja personal.

Ahora bien, en esta temporada se confirma que los creadores han hecho sus tareas.  Han tomado puntos fuertes de otras series famosas y la han adaptado a su formato.  La fotografía y la estética triste y oscura a pesar de los momentos alegres.

Por otro lado tenemos el gore, que hay que mencionarlo como si fuese un atractivo, porque es increíble la cantidad de escenas violentas y la creatividad de sus creadores para destrozar el cuerpo humano.

Más allá de eso la única pega que podemos encontrarle a esta temporada es la pérdida de rumbo de los personajes, algo que lamentablemente puede afectar a futuro a la serie completa.  Si en la primera temporada teníamos claro que motivaba a Hugh estar en el equipo, aquí es un poco ambiguo.  Lo mismo sucede con Frenchie e incluso con algunos héroes como A-Train.  Nos resulta algo curioso que sean los más buscados de EUA pero Hugh pueda juntarse en un parque con Starlight, o que Butcher salga a visitar a un familiar.  Lo mismo con los héroes, porque sabemos que hay muchos más retirados o que no están en Vought, pero, ¿dónde están? ¿qué pasa con ellos?

Eso sí, las actuaciones son de primera línea.  Todos, pero absolutamente todos, destacan y son creíbles en sus personajes, pero quien se roba la pantalla con cada escena es Antony Starr como el maldito Homelander.  Es un personaje lleno de capas que lo hace cada vez más interesante, y el registro actoral de Starr es aún mejor, porque pasa de la ira descontrolable a la vergüenza ajena en cuestión de segundos.  La escena de la cabaña con aquel héroe que puede transformarse en quien quiera y Homelander es la prueba de ello.

“The Boys” sigue siendo un ejercicio bastante interesante y una serie que merece su visionado.  Su ácida crítica es increíble, sus personajes agradables y su trama bastante entretenida, y aunque tiene sus puntos flojos en esta temporada no daña en ningún momento la experiencia.  Entra a la lista de lo mejor del 2020 y de las mejores series actuales.

Veredicto

Encuentra la manera de mantener el ritmo de la primera temporada y profundizar en su desarrollo.  Es más ingeniosa, aguda, crítica, cínica, y bastante oscura.  A pesar de tener momentos flojos en su desarrollo, no daña ni un poquito la experiencia con el espectador.  ¿la pregunta es si mantendrá el mismo interés para las siguientes temporadas? Pues por lo visto, la respuesta es sí.